Aldana Bit

por Nahuel Kaenel

-Seleccionó como nombre artístico, Aldana Bit ¿Cuál es su visión sobre el concepto del bit? ¿Qué reflexión como artista la atrae sobre este tema?

Es un guiño entre el mundo digital y musical en el cual me desenvuelvo, además de que mi taller de producción fue, es y será la computadora. El BIT es la unidad de data, dígito binario (sistema de numeración binaria digital). Sumado a que decir BIT en su pronunciación deviene del juego de BEAT de la agrupación beatnik desarrollada en los 50’s y del beat de BPM beat for minute (temporalidad de la música). Integrando estos conceptos decidí usar BIT como identidad pero también como expresión hacedora.

-Realizó como solista, conciertos de música noise ¿Qué representa el noise como expresión artística desde su punto de vista como hacedora?

El noise es un concepto muy amplio, pero me quedo con la parte de hackear el paladar del oído. El ruido de por sí es relativo, lo que me agrada en sonoridad no corresponde a que al otro le agrade, le puede generar incomodidad y molestia o viceversa. El noise está fuertemente vinculado con la capacidad de repensar el sonido y su particularidad como herramienta de cultura e identidad.

-¿Desde qué punto surge su interés con respecto a la música, el ruido y su relación con la acusmática?

Intriga. Preguntándome, a ver ¿qué pasaría si busco la identidad acusmática de todo lo que me rodea? Me resuenan mucho los puentes sonoros y conceptuales que tengan que ver con esa parte que nunca pude escuchar o me hubiera gustado. Si pensara qué sonido emite cada objeto, cada espacio, cada movimiento, hay un sinfín de puentes, tanto en la sonoridad misma como la poética de ella dentro de aspectos musicales más cancioneros o tradicionales. Mi producción se linkea con este concepto de acusmática que Pierre Schaeffer lo resignifica como un acción de lo que se oye no se ve, es decir, escucho lo que me rodea pero desconozco su origen o naturaleza. En esta dinámica me encuentro en loop, jugando y explorando con la producción de mi identidad sonora.

-¿Cómo es su proceso creativo en la dimensión sonora? ¿Qué instrumentos, dispositivos, herramientas u objetos destacan en su producción? Teniendo en cuenta la parte técnica, fuentes de inspiración u otros recursos.

Busco la forma de encontrar la poética análogo-digital. Lo que veo y toco, lo grabo. Con celular o micrófono hago grabaciones de campo. Utilizo muchos objetos para generar algún tipo de colchón armónico (ramas, cadenas, ventilador, ladrillos, agua, objetos en desuso, etc.). Luego accedo a instrumentos más tradicionales, como un sintetizador, cítara, guitarra, instrumentos MIDI para moldear y procesar cada sonido o tema.

Los objetos que más destaco son aquellos con los cuales provoco sonidos en grabaciones de campo.

-Si pudiera definir en una obra pictórica su búsqueda sonora, ¿cuál seleccionaría? ¿Por qué?

No creo que sea realmente el lenguaje pictórico lo que pueda definir mi búsqueda. Creo que se halla más en disciplinas híbridas, como en las videoinstalaciones de los 90’s de Amy Jankis, que enfatiza lo pequeño, el detalle, la introspección, la soledad y el acercamiento. Una de las primeras nociones de videomapping casero.

-¿Qué implica la tecnología como recurso de expansión en la labor artística?

Extensión, expansión, consciencia. Si extiendo mi brazo para agarrar un lápiz, tocar la hoja y luego compartirlo para que lo vean o lo intervengan, es la relación con la extensión tecnológica a la hora de producir o compartir la búsqueda, sea poética, técnica o por simple estado recreativo. Esa extensión permite diálogo y apertura, no siempre, pero lo habilita.

-En nuestra charla, recurrió al concepto de tecnopoéticas, ¿qué es y cuál es la importancia de las tecnopoéticas al momento de compartir espacios creativos con otros artistas?

La tecnopoética si bien es el resultado de muchos movimientos artísticos, es un concepto repensado para habilitar el diálogo poético conmigo y con otros. Las multipantallas, los canales de comunicación, cableados, enchufes, cámaras, mails, etc., son extensión del humano y su practicidad, pero buscamos la vuelta para poetizar este estado biónico en el que nos encontramos constantemente por imposición y luego filtrar por decisión. Y de allí deviene rozar y habilitar la crítica, el diálogo conmigo y con otros.

-¿Qué destaca del videomapping como medio de expresión? ¿Qué posibilidad brinda en la percepción de los espacios?

Trazar una huella de expresión poética sobre un espacio u objeto. Así de simple. La luz del dispositivo de por sí tiene una carga conceptual. Ahora, darle forma a esa luz es una nueva forma de ver y de romper con la espectacularidad. La luz y la intimidad también son trabajadas, pasa que el mapeo hoy roza entre en el vacío espectacular y estimulador visual. Nos toca re-pensar la luz y su cuerpo como un nuevo lenguaje, invitando a la introspección, a la consciencia de mi espacio, de mis objetos. Mapear mis estados que posiblemente en algún momento interpelen a otros.

-Participó de varios seminarios relacionados a la Astrología, ¿a qué se debe la interacción con esta clase de conocimiento?

Autoconocimiento más que nada, también me llamó la atención la implicancia del Tarot como de la Astrología dentro de las artes y la reproducción de los conceptos de estas disciplinas en diferentes lenguajes artísticos.

-Mencionó la implicancia del Tarot dentro de las artes ¿De qué manera se relaciona el Tarot con su producción?

La búsqueda de mi propia verdad, dentro de lo que me identifico. Me ayuda a reflejar mis bloqueos y mis afluentes, sirviendo de autoconocimiento para mi producción.

-En algunas de sus obras recurre a conceptos como el de curar, purgar, ardor, ofrenda. Teniendo en cuenta su producción desde lo sensorial, ¿posee el arte, propiedades curativas en el proceso de su creación?

Desde la Psicomagia sí. Entender ciertos elementos y la capacidad de unirlos, crear con ellos, darles un objetivo bajo una intención pura. Sí, es curativo. Además de ser ritual, el acto de creer para crear, es antiguo. Lo hacemos todo el tiempo, pero la capacidad de crear con intención pura de transmitir o transmutar, potencia el vínculo del creador con lo creado.

-En la instalación El agua y los hitos, durante la Bienal Arte Joven 2017 (Buenos Aires), participó en la producción de una escultura cinética/arqueología líquida. ¿Podría describir en qué consistió el proceso de realizar pedaleadas performáticas para la construcción de la obra?

La instalación deviene de la pedaleada El agua y los hitos, incentivada por Santiago Colombo Miglionero (La Plata), junto con Erika Ortiz (Colombia), los tres logramos dar cuerpo conceptual tanto a la pedaleada como la escultura cinética acuática. Fueron una iniciativa para redescubrir los caminos y espacios públicos de la ciudad de Buenos Aires. Esta actividad responde a la necesidad de recorrer los caminos de distintos tipos de aguas en la capital contando distintas historias en cada parada.

-Diseñó el montaje sonoro en el cortometraje Der Geier (El buitre), basado en el libro de Franz Kafka, bajo la dirección y producción de Santiago Colombo. ¿Qué significa el buitre para usted? ¿Cómo relacionó esta idea en la composición sonora?

El trabajo de Santiago siempre me invita a repensar el sonido y mi vínculo con estos espacios visuales que él genera. El buitre es sin duda una secuencia de introspección, nostalgia y deseo. Busqué la forma de que el diseño sonoro dialogue, sin imponer, utilizando leves leitmotiv junto con sonidos sintetizados, nada orgánicos, a contraposición del trazo orgánico de Santiago. Me sentí cómoda en este contraste.

-Siendo fundadora de Mujer bit, ¿qué motivó su creación? ¿Qué aspectos, dificultades o aportes, destacaría de la experiencia en un proyecto autogestivo?

Demanda y registro fueron los dos impulsores de crear un proyecto de este carácter. Al ser autogestivo, uno de los principales problemas siempre es el financiamiento y la no escucha por espacios institucionales de carácter burocrático y sistemático. Con el tiempo se abrieron otras oportunidades y con ellas financiamiento. Antes de atravesar estos procesos burocráticos, sentí la necesidad de agrupar a artistas digitales del NEA para repensar y resignificar el hacer del videomapping, su técnica y el contexto en que habitaban. El llamado siempre fue colectivo y abierto, con actividades sin fines de lucro, organizando eventos informativos, charlas, demos, todo de carácter gratuito.

-¿Cómo fue la experiencia siendo parte de la Galería Garra, dentro del circuito de galerías en la región del NEA?

Las actividades siempre fueron flexibles e innovadoras. Además de habitar tanto tiempo los espacios institucionales y la caja blanca, es un espacio y entidad nómade, sin pertenencia ni permanencia espacial. Al principio usando muchos espacios no institucionales de Resistencia Chaco, y algunos espacios abiertos como Parque de la Democracia o la Fabril para muestras visuales y performáticas. Romper los circuitos cerrados, los espacios blancos, las vidrieras y semejantes, fue lo que logramos dentro de Garra por mucho tiempo. Intentar quebrar el algoritmo vivo de espacios tradicionales o conservadores, buscando y dialogando con la identidad chaqueña y otras provincias.

-¿Con qué enfoque se orientó el proyecto de Sólido Plataforma?

Este proyecto tuvo de todo un poco, inició como una propuesta digital y así se sostuvo, ampliando los lazos de comunicación con otras provincias y países. Se fue dosificando y solidificando con la participación de cada artista. Sin ellos el espacio no sucedería, ni talleres, ni entrevistas, ni muestra. Entrelazar puentes creativos, sin ideas limítrofes e hibridando lenguajes fue el objetivo inicial de Sólido Plataforma.

-Teniendo en cuanto sus múltiples participaciones en diversos espacios artísticos, ¿qué diferencias percibe al momento de producir y exhibir en ambientes institucionalizados o espacios independientes?

No es novedad que la violencia institucional existe, ghosteando constantemente. Por suerte y fuerza, muchas agrupaciones de artistas dentro de Argentina se dedican a formalizar los derechos y tarifarios. En las áreas autogestivas es diferente. No hay roce, hay goce, simplemente porque los espacios de esta naturaleza (no todos necesariamente) buscan vincularse desde otros lugares intentando contribuir a nuestra identidad en el hacer de las artes contemporáneas.

-¿Qué otros oficios desarrolla en paralelo a su labor en el arte? ¿En qué tipo de proyectos se encuentra trabajando?

Trabajo como montajista audiovisual, directora de arte y diseñadora sonora. Recientemente realicé un trabajo de composición sonora para la serie “Abejas Con Ciencia Latina” de la Sociedad Latinoamericana de Investigación en Abejas (SoLatInA).

-Para finalizar, actualmente, ¿En qué aspecto artístico se siente enfocada?

Actualmente mi enfoque está en la producción musical y de diseño sonoro.